Tida como a obra predileta do autor, o quadro, embora inacabado, mostra a incomparável habilidade de Leonardo da Vinci na técnica do sfumato – a transição tão sutil de tons que, nas próprias palavras do artista, eles emergem “sem linhas ou limites, à maneira da fumaça”.
Santa Ana, a Virgem Maria e o Menino Jesus – três gerações, dois frutos da imaculada concepção – são retratados em uma paisagem.
A composição pode ter sido encomendada por Luís XII da França para comemorar o nascimento de sua única filha, Claude, em 1499 – Ana era o nome de sua esposa e da santa padroeira das mulheres inférteis e grávidas. Mas a pintura nunca foi entregue a Luís XII, pois notou-se a presença da pintura na oficina de Leonardo em 1517.
A presença da Virgem e do Menino com Santa Ana no palácio cardeal (o atual Palais Royal) em 1651 alimentou a hipótese de que a imagem entrou na coleção real através dos ministérios de Richelieu. Mas, com toda a probabilidade, foi Francisco I que a adquiriu do assistente de Leonardo, Salai, por uma quantia considerável registrada em arquivos. No entanto, antes do inventário de Le Brun, de 1683, nenhum registro de tal pintura no Castelo de Fontainebleau confirma isso.
Vários estudos preparatórios – o desenho na Galeria Nacional em Londres e vários desenhos, incluindo o do Louvre – refletem o desenvolvimento gradual do trabalho. Leonardo substituiu o jovem São João Batista no primeiro esboço por um símbolo, o Cordeiro de Deus, e deslizou o Menino Jesus dos joelhos de sua mãe para o chão. Ele deu mais importância a Santa Ana, que se torna o eixo de uma composição triangular.
Os gestos naturais das figuras se entrelaçam um com o outro: o braço direito de Ana se mistura com o de Maria, cuja cabeça esconde o ombro da mãe e o braço esquerdo de Maria é prolongado por Cristo. Esta interação transmite o significado: a ideia de linhagem e a encarnação de Cristo, cujo destino, a Paixão, é anunciado pelo Cordeiro à beira do precipício. A originalidade de Leonardo aqui está em sua iconografia (a adição do Cordeiro) e sua composição geométrica e dinâmica.
Assim como no quadro A Virgem dos Rochedos, Leonardo estabeleceu uma cena religiosa em uma paisagem fantástica e colocou um abismo entre o espectador e as figuras. A distância montanhosa é transmitida pela perspectiva atmosférica com destaques azulados e cristalinos e reflete seu interesse em geologia e fenômenos meteorológicos.
O sfumato, efeito marcante de Leonardo, unifica a composição envolvendo as figuras e a paisagem em uma névoa difusa, evanescente e poética. Isso imbui os rostos altamente expressivos com grande gentileza. O trabalho exala uma aura de estranheza que, combinada com as expressões sutis e o estado inacabado da imagem, deu origem a uma série de interpretações psicanalíticas desde Freud.
A imagem influenciou decisivamente as futuras gerações de artistas, pintores de inspiração clássica como Raphael e Solario, e manieristas como Andrea del Sarto.
Agora que você sabe mais detalhes sobre esse quadro de Leonardo do Vinci, experimente fazer uma releitura dele ou criar um grupo familiar que estabeleça conexão entre gerações, usando o material colorido que mais gostar.
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